TOKYO AT NIGHT

Per il sottoscritto sfogliare le pagine di questo splendido illustration book è come reimmergersi in luoghi e atmosfere provate molte volte nella vita reale, eppure ancora capaci di suscitare forti emozioni. Come Proust alle prese con le madeleine, ogni immagine riporta alla mia memoria le camminate per molte di quelle stesse vie che Mateusz Urbanowicz (polacco trasferitosi a Tokyo, illustratore e animatore) ha sapientemente immortalato su carta. Non è una semplice questione di realismo, di corretta rappresentazione di luoghi e oggetti, ma della ben più complessa capacità di ricreare atmosfere. La Tokyo notturna di Urbanowicz è triste e silenziosa, spettrale, come in effetti è sempre apparsa anche a me. La scelta di non inserire figure umane amplifica la sensazione di solitudine, di malinconica attesa. In effetti, la Tokyo periferica – non quella dei locali notturni o delle zone a luci rosse – nelle ore buie è proprio così: zone residenziali dove quasi tutti dormono, oppure quartieri dedicati al commercio febbrili di giorno (come l’affollatissima Akihabara) che di notte si trasformano in fantasmi di se stessi, con tutti i negozi chiusi e nessuna presenza umana. Lo sguardo cerca un’anima viva, che generalmente non trova, in mezzo a un silenzio inconcepibile di giorno e a luci colorate provenienti da palazzi, sottopassaggi, fermate della metropolitana. Ma, all’improvviso, ecco una viuzza laterale, con le biciclette parcheggiate, la fievole luce della lanterna di un localino ancora aperto, qualche pianta accudita amorevolmente e loro: le macchine distributrici di bibite, onnipresenti con le loro lucine e le coloratissime lattine, quasi fossero sentinelle notturne in attesa dell'alba e del tintinnare delle monetine. Le immagini con la pioggia sono quelle che preferisco, quando le gocce d’acqua e il liquido sull’asfalto riflettono le luci, ampliano la gamma dei colori, come in un dipinto che prende vita. Sì, la Tokyo di notte di Urbanowicz è anche la mia Tokyo e, chissà, forse anche la vostra. In Italia il libro può essere acquistato da fioridiciliegioadriana@gmail.com.

LE BELLEZZE DI SHUNYA YAMASHITA

Classe 1970, Shunya Yamashita è un illustratore dal tratto pulito e morbido, con una predilezione per immagini che ritraggono belle fanciulle. La sua arte è messa al servizio anche di videogiochi e anime, per cui visualizza personaggi longilinei e curvilinei, un po’ sexy ma senza esagerare, anzi dotati di una certa autoironia, che si rivela soprattutto in occhiolini e pose disinvolte. È stato chiamato anche a progettare visivamente alcune action figure di personaggi femminili degli universi Marvel e DC, ma anche di blockbuster cinematografici. Il volume in questione, Beautiful Noise, si concentra prevalentemente su tali personaggi femminili, a figura intera e tutta pagina. Bello da vedere e con testi quasi inesistenti (comunque anche in inglese), che tutto sommato si rivelano abbastanza superflui. Da sfogliare e risvegliare. In Italia acquistabiel preso fioridiciliegioadriana@gmail.com

ARRIVANO LE MAGHETTE!

Tra gli anime (i cartoni animati) per ragazze uno dei filoni maggiormente ricchi è quello delle maghette, noto anche come maho shojo (letteralmente, “ragazze magiche”) o majokko (“maghette” appunto). Come spiega il nome, si tratta di serie incentrate su ragazze, dotate di poteri magici, che possono essre suddivise in tre grandi categorie: maghette, streghette ed eroine. Le prime sono generalmente ragazzine terrestri a cui viene donato un oggetto (bacchetta, ciondolo, cerchietto, ecc.) dotato di poteri che le consentono anche di trasformarsi. Le streghette, invece, il più delle volte sono extraterrestri con poteri già acquisiti. Infine, le eroine più che di magia sono dotate di particolari poteri (esp, tecnologici o altro) acquisiti in modi svariati. Comunque sia, le protagoniste hanno una missione da compiere, del tipo riportare i sogni o l’amore nel mondo, sconfiggere qualche entità malvagia o altro ancora. Le loro avventure sono inoltre spesso infarcite di questioni sentimentali. Quale capostipite del genere viene indicata Mahotsukai Sally (in Italia Sally la maga), prodotta nel 1966 Da Toei Doga. Da quel momento in poi decine di maghette si sono succedute fino ai giorni nostri. Tra le tante vale la pena di citare almeno Bia, Lulù, Minky Momo, Evelyn e le molte serie di Sailormoon. Tra gli studi d’animazione che hanno apportato un contributo significativo al filone vi è lo Studio Pierrot, che nel 1983 ha creato la serie televisiva L'incantevole Creamy (in originale Maho no tenshi Creamy Mami), la cui protagonista è una bambina di 11 anni in grado di trasformarsi in una cantante adolescente grazie a una bacchetta magica. Visto l'enorme successo, a quello storico anime ne sono seguiti molti altri.

In Giappone è da poco stato pubblicato un volume dedicato alle magnete degli anni Ottanta e Novanta, o più precisamente alla moltitudine di gadget a esse collegati, gadget tanto amati da collezionisti e appassionati. Dal titolo '80 and '90 Majokko Toy Book, il volume è una cornucopia di immagini di quegli stessi gadget, in particolare delle apprezzatissime bacchette magiche, tra le più ambite dai majokko fan. Sorta di libro dei desideri per chi ama il genere, è come al solito ben confezionato e apprezzabile anche da chi non comprende il giapponese. In Italia può essere richiesto a fioridiciliegioadriana@gmail.com.

A ZONZO PER L'ANTICA EDO

In Italia speso i fumetti giapponesi sono visti come serie d’azione o sentimentali, costantemente soggetti a canoni grafici precisi e stereotipati, dalle fitte linee cinetiche agli occhioni luccicanti. Fortunatamente, nel corso degli ultimi anni le cose stanno cambiando, grazie a editori nostrani che, un po’ per necessità di reperire grandi quantitativi di materiali e un po’ per desiderio di mostrare i molteplici volti del panorama giapponese, stanno pubblicando anche autori e opere che si discostano dal filone popolare/adolescenziale. Autori come Koichi Masahara, che sceglie di ambientare un nutrito numero di storie brevi nell’antica Edo, nome dell’attuale Tokyo tra il 1180 e il 1868. L’idea di scegliere quale sfondo della narrazione il Giappone del passato non rappresenta certo una novità, le storie di samurai e geishe abbondano, ma Masahara preferisce concentrarsi su temi meno frequentati, occupandosi del Giappone antico in modo differente, personale e riuscito. I suoi racconti nulla hanno a che fare con l’azione e l’avventura, preferendo mettere al centro dell’attenzione personaggio e ambientazioni. Character sempre diversi si trovano di fronte a questioni grandi e piccole della vita, a problemi quotidiani, a gioie e dolori di esistenze di un tempo passato che presentano elementi di continuità con l’odierno, accanto ad altri oggi inconcepibili. Il tutto con un garbo grafico e narrativo che permette alla sua narrazione di scorrere fluida come una barca su un fiume tranquillo. Un uomo “prigioniero” di un matrimonio, un figlio alle prese con l’eredità paterna, una coppia composta da persone appartenenti a ceti sociali differenti, sono situazioni incontrabili anche nel mondo moderno, ma che al tempo di Edo sono “vestite” in modo differente e che, talvolta, necessitano di soluzioni differenti. Per rappresentare questi temi Masahara sceglie un tratto elegante e personale, per certi versi molto raffinato. Di fronte a sfondi dettagliati e suggestivi, che ricreano le atmosfere del passato, pone personaggi con volti dalle linee taglienti ed espressioni facciali talvolta caricaturali, estremamente comunicative, in grado di trasferire al lettore emozioni e perplessità. Così come la gestualità e le pose dei corpi, mai casuali, al contrario studiate nella loro naturalezza. I personaggi compiono atti lievi, che possono sfuggire a un occhio occidentale ma che sono intrisi di giapponesità: scuotere una mano davanti al viso per negare, tergersi il sudore con un piccolo pezzo di stoffa, sono movimenti tipici che ancora oggi rientrano nell’agire di ogni giorno. Vi è poi una cura e un ordine nella gestione degli elementi che si ravvisa anche nella composizione delle tavole, occupate da vignette rigorosamente rettangolari. Masahara, infatti, rifugge la tentazione di farle sbordare dalla tavola, o di dargli forme inusuali, soluzioni tipiche di quei manga d’azione con cui non ha nulla a che fare. Inoltre, il numero di vignette presenti in ogni tavola è superiore alla media del tankobon (volumetto) giapponese, a dimostrazione della volontà di rendere maggiormente narrativa ogni singola storia. Straordinaria anche la cura per i dettagli. Ogni oggetto quotidiano, dagli ombrelli alle lampade, dalle forcine per capelli ai cibi, è tratteggiato in modo semplice ma efficace e preciso, conferendo ulteriore credibilità e consistenza all’ambientazione. Il desiderio, riuscito, di concretizzare i luoghi e le atmosfere del passato si palesa anche nell’utilizzo, generalmente nel frontespizio di ogni capitolo, delle stampe ukiyo-e di grandi maestri come Hokusai e Utagawa, che Masahara omaggia ridisegnandole. Ma anche in questo caso, pur silenziosamente dichiarando l’apprezzamento e il debito di riconoscimento per i colleghi del passato, Masaharo fagocita, digerisce e rielabora quelle immagini dal sapore antico per sviluppare un proprio disegno più fumettistico, capace di dare forma e profondità (al contrario delle stampe ukiyo-e che tendevano a un certo appiattimento della prospettiva). Suggestive le immagini cittadine, quasi tridimensionali nella loro composizione, piccoli teatri in cui entrare con lo sguardo. Ribadisco, però, ancora una volta che pur a fronte di un impianto grafico ricco e accattivante, il maggior punto di forza di questa antologia resta l’elemento narrativo, la capacità di raccontare spezzoni di vita di persone qualunque e, proprio per questa loro normalità, particolarmente interessanti. Da leggere.

Koichi Masahara

I doni di Edo

Bao, 208 pp, 7,90 euro

ILLUSTRATION 2020

Ogni fine anno fa capolino nelle librerie giapponesi un corposo volume (oltre 300 pagine) dedicato agli illustratori nipponici. Si tratta di una sorta di campionario dei migliori artisti locali, un caleidoscopio di immagini che unite forniscono un quadro – magari incompleto, ma significativo – del mondo dell'illustrazione. Oltre cento artisti vengono rappresentati con un paio di illustrazioni ognuno e indirizzi di riferimento per trovarli in rete (sito, twitter, mail, ecc.). Una sorta di bibbia per amanti delle immagini e per professionisti del settore, che possono così scoprire nuovi talenti. In Italia il volume del 2020 può essere richiesto a fioridiciliegioadriana@gmail.com.

JOJOnicle - L'arte di Araki

Mangaka dalle lontane parentele italiane, Hirohiko Araki nasce a Sendai, in Giappone, il 7 giugno 1960. Dopo aver frequentato la Sendai Design School esordisce professionalmente sul settimanale Shonen Jump della casa editrice Shueisha con la storia Armed Poker, che riceve la nomination per il Tezuka Award. Segue Mashonen bee tee (“Il ragazzo diavolo”) e, nel 1984, l'horrorifico Baoh Raihoosha (in Italia Baoh), suo primo manga tradotto in Usa e Italia. Conclusosi Baoh, Araki realizza JoJo no kimiyona boken (o The Strange Adventures of JoJo, in Italia: Le bizzarre avventure di JoJo) pubblicato sempre su Shonen Jump e tuttora in corso di svolgimento. Mostrando una particolare predilezione per le trame cupe e fantastiche, Araki costruisce storie suggestive e ricche di azione, a cui il suo tratto pesante ben si adatta, realizzando vignette e tavole in cui i corpi tesi e deformati dei personaggi, dai muscoli ingigantiti, comunicano cinematicità e potenza. Nonostante una certa discontinuità a livello qualitativo, soprattutto grafico, la produzione di Araki si fa comunque apprezzare grazie a trovate originali e a una lenta, ma continua crescita artistica.

Sua serie più nota resta Jojo, cui è dedicato il volume di cui si parla in questo post. Ne è protagonista Jonathan Joestar, appartenente a una nobile casata inglese di fine Ottocento. Un giorno la famiglia adotta Dio Brando, un ragazzo che oltre a portare un nome decisamente inusuale si rivela essere dotato di facoltà soprannaturali e un mascalzone di prima grandezza, tanto ambizioso e spietato da arrivare all'omicidio del proprio genitore adottivo. I poteri di Brando derivano dai un’antica maschera azteca custodita proprio dai Joestar, e spingono il fratellastro Jonathan a combatterlo per il resto dei suoi giorni. Ne segue una lotta che si tramanda di generazione in generazione, mescolando combattimenti e misteri, mitologia e orrore. 

Le bizzarre avventure di Jojo è quindi una lunghissima saga che si dipana nel tempo, narrando le fantastiche e tenebrose avventure dei componenti della famiglia Joestar il cui nome proprio inizia per Jo (da cui il titolo JoJo) contro il temibilissimo avversario. Davvero originale il disegno che dà forma alle vicende, cupo e opprimente ma anche affascinante e gommoso, ricco di inquadrature inusuali e di corpi che assumono pose improbabili e incredibili. Di contorno, cerature fantastiche, paesaggi esotici, costumi appariscenti, in un continuo crescendo di trovate grafiche e narrative che hanno permesso al manga di rimanere sulla breccia per parecchi anni, dando vita a più serie con titoli differenti (come Steel Ball Run). Il volume JOJOnicle è incentrato sulle mostre (Tokyo, Osaka, Parigi) dedicate alla serie, ospitando foto delle stesse, foto delle città ospitanti, intervista ad Araki e, soprattutto, moltissime illustrazioni della serie. Si aggiungono molte riproduzioni in b/n delle tavole (purtroppo di piccole dimensioni rispetto alle illustrazioni), che completano il quadro grafico di questo importante manga.

In Italia il volume può essere richiesto a fioridiciliegioadriana@gmail.com.

©Hirohiko Araki/Shueisha, Inc.

BABYSAN

Dopo la Seconda Guerra Mondiale, con i militari americani stanziati nei maggiori porti e nelle principali città giapponesi, gli intescambi culturali tra Usa e Giappone si intensificano e il disegno si dimostra un ottimo veicolatore di contenuti. I manga, per esempio, vengono utilizzati per creare manuali di conversazione utili a entrambe le parti. Qualche marmittone a stelle e strisce abile con la matita si diverte invece a immortalare il proprio periodo di leva, nonché gli usi e costumi degli indigeni. Il marinaio Bill Hume realizza molte vignette incentrate sulle fanciulle giapponesi, o Babysan, irresistibili attrazioni per i suoi commilitoni. Tratteggiando le caste bellezze giapponesi, Hume ne sottolinea anche i comportamenti e le tradizioni culturali, dando vita a una sorta di personale guida al Giappone. Molte di queste immagini vengono raccolte in volume, ovviamente dal titolo Babysan, nel 1951 dalla casa editrice nipponica Kasuga Boeki, che valorizza il tratto pulito e plastico del disegnatore e affianca a ogni vignetta un breve testo in inglese.

UN GIALLISTA GIAPPONESE

Edogawa Rampo (1894-1965), apprezzatissimo dai propri connazionali, è considerato l'iniziatore del mistery in Giappone. Il suo vero nome è Hirai Taro, ed è un grande ammiratore di Edgar Allan Poe, da cui trae il suo pseudonimo, che non è altro che la trasposizione fonetica del nome dello scrittore inglese. Rampo è il primo giapponese a cimentarsi con la moderna detective story, evitando di “copiare” opere occidentali.

Gli anni Venti sono considerati l’età dell’oro del giallo giapponese, ed è proprio in quel periodo che viene fondata la rivista Shinseinen (1920-1950), dedicata al poliziesco, all’horror, ai romanzi d’avventura. È sulle sue pagine che viene pubblicato a puntate il romanzo Nisen dōka (La moneta da due sen) di Edogawa Ranpō, considerato il primo giallo indigeno.

Il romanzo più famoso di Rampo, però, è La belva nell’ombra, vede la luce nel 1928, e tra le sue pagine risalta la passione dell’autore per le detective story occidentali, ma anche per i racconti macabri, grazie a una trama gialla che si mescola con atmosfere da brivido. Una donna in pericolo, perseguitata dalle minacce di un autore di libri polizieschi chiede l'aiuto di un altro scrittore per trarsi in salvo. Rampo realizza un romanzo scorrevole in cui scoprire chi è l'assassino e qual è il suo movente diventa una sfida anche per il lettore, coinvolto dai ragionamenti deduttivi del detective/scrittore.

NELL'ANTICO GIAPPONE

 

Meglio non fidarsi del grottesco kappa, verde esserino dal corpo simile a quello di una rana, poiché assai propenso agli scherzi, inclusi quelli pericolosi o di cattivo gusto. Ma bisogna prestare attenzione anche all'affascinante tengu, alla bellissima yukionna, e all'ingannevole e ambiguo konakijiji. Di fronte ai terribili oni, poi, la soluzione migliore è fuggire a gambe levate. Questi esseri in Giappone sono noti come ayakashi o mononoke, ma soprattutto come yokai. Yokai può essere tradotto come “mistero inquietante”, si tratta di creature differenti dagli esseri umani e dagli animali, sorta di via di mezzo tra questi due mondi, dall’aspetto e dai comportamenti bizzarri.
In Occidente, in mancanza di un corrispettivo, la parola yokai viene spesso tradotta come "mostro" o "fantasma", tuttavia queste fantastiche creature vantano una natura assai differente da quella dei mostri europei. Inoltre, per quanto mostruosi, gli yokai sono talmente radicati nella cultura popolare da diventare talvolta persino simpatici, sorta di “pupazzetti” protagonisti di racconti di ogni tipo, inclusi manga e anime, i fumetti e i cartoni animati giapponesi. La loro origine, comunque, resta abbastanza spaventosa, come la maggior parte dei racconti che li vede protagonisti.
L’italiana Elisa Menini ha scelto di fare proprio quell’universo fantastico di storie e personaggi suggestivi e di raccontarli tramite immagini, sotto forma di fumetti insomma. Nel farlo ha scelto anche di abbracciare l’immaginario grafico del Giappone, pur reinterpretandolo in una chiave moderna e personale. Basta uno sguardo alla prima tavola della prima storia della raccolta Nippon Floklore per rimanere incantati di fronte alla forza evocativa del suo disegno, immersi in un paesaggio dai colori che sanno di antico e carico di elementi iconografici che immediatamente rimandano al Giappone tradizionale, bucolico, feudale, iconico. Il monte Fuji, il sole, la vegetazione, forme stilizzate eppure ricchissime graficamente e narrativamente. Elisa sposa l’immaginario grafico delle stampe ukiyo-e. Con questo nome, che letteralmente significa “immagini del mondo fluttuante”, si definisce una particolare tecnica xilografica basata sulla riproduzione di un’immagine su apposite tavolette di legno di ciliegio; queste ultime venivano incise dall’artista in modo da lasciare in rilievo solo le parti che compongono l’immagine finale, per realizzare la quale sono necessarie tante tavole quanti sono i colori da impiegarsi nella stampa. Le stampe ukiyo-e nascono nel diciassettesimo secolo, ma all’epoca sono monocromatiche o colorate a mano, mentre un centinaio di anni dopo, grazie al perfezionamento delle tecniche xilografiche, divengono policromatiche. Artisti come Hokusai e Hiroshige, famosissimi in Giappone sono ancora oggi fonti di ispirazione per i mangaka (gli autori di fumetti) e ormai popolari anche in occidente. La nostra fumettista ovviamente non utilizza le antiche tecniche della xilografia, ma punta a risultati simili, quantomeno altrettanto evocativi. E anche le pose dei personaggi, con le gambe incrociate, gli occhi sgranati, gli atteggiamenti esasperati sono in qualche modo figlie di una scuola grafica lontana nel tempo e nello spazio. I principali protagonisti, come dicevamo, sono yokai, creature fantastiche, animali dotati di parola e speciali caratteristiche, come un gatto a due code, una volpe in grado di trasformarsi, un granchio vendicativo. Non mancano però i personaggi umani, come il contadino pigro ma furbo, l’ubriacone avventato e via dicendo. Popolani che incrociano le proprie strade con quelle delle creature fantastiche, alle prese con un mondo naturale affascinante ma al tempo stesso pericoloso. A volte le storie contengono una morale, come potrebbe essere nelle fiabe dei fratelli Grimm o in quella della saggezza contadina, ma nella maggior parte dei casi si limitano, se questo è limitarsi, a stupire e divertire. Elisa Menini punta molto sull’aspetto grafico, le sue tavole di grande formato contengono poche vignette, talvolta solo una, per dare ampio respiro a curate composizioni dove il dettaglio riceve la medesima attenzione dell’insieme, in cui ogni elemento è perfetto in sé e armonioso nel complesso. Se proprio vogliamo trovare un difetto a un lavoro tanto curato è il non essersi spinti oltre anche nell’uso dei termini: gli orchi in Giappone si chiamano Oni e le polpette di riso in realtà sono onigiri. Valutando l’edizione del volume, non si può che elogiarne le grandi dimensioni, la qualità di carta e stampa e la bella grafica, ma allo stesso tempo non si può fare a meno di notare la mancanza di una introduzione che spieghi le connessioni con l’arte giapponese e di una biografia dell’autrice. Ai tempi di internet gli editori spesso demandano ai lettori il compito di trovare tali informazioni in rete, ma se i primi mettono tanta cura in un’edizione cartacea, e i secondi dimostrano di apprezzare la tangibilità dell’opera, perché privarla di una delle sue componenti? In ogni caso, Nippon Folklore resta un volume splendido, da leggere come un fumetto e da ammirare come una raccolta di stampe ukiyo-e. 

LA SCHEDA
Elisa Menini (testi e disegni)
Nippon Folklore leggende e miti dal Sol Levante
Oblomov
pp. 128, euro 20,00

SPLENDIDI SFONDI

Per quanto avvezzi all’abilità degli illustratori giapponesi quando si tratta di dare forma agli scenari degli anime, non si può evitare di rimanere incantati di fronte alla forza evocativa degli sfondi di Children of the Sea. Nata nel 2007 come manga di Daisuke Igarashi, questa serie dai risvolti naturalistici nel 2019 ha dato vita a un film in animazione. È proprio per quel lungometraggio che sono state realizzate centinaia di immagini ora raccolte nel volume Children of the Sea Artbook. Decine e decine di illustrazioni di ambienti, case, strade, fondali marini, che appiaono più vividi e comunicativi di fotografie, sicuramente più melanconiche e suggestive. Pare quasi di trovarsi a camminare tra vie periferiche di Tokyo, con i suoi edifici in legno e i fiori e le piante che spuntano da ogni angolo. Oppure di sentire la brezza salmastra del mare che ci accarezza il viso. Un caleidoscopio di immagini in grado di trasportarci in altri luoghi.